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ソプラノリコーダー（ディスカントリコーダーとも呼ばれる）は、穴の開いた管と笛のようなマウスピースを持つシンプルな楽器に見えます。しかし、油断は禁物です。上手に演奏するには最も難しい楽器の一つであり、フルート、クラリネット、オーボエ、サックスを手に取るために必要なすべてを教えてくれます。
このレッスンでは以下を学びます：
- リコーダーの全ダイアトニック音域：低音のCから高音のFまで。
- クロスフィンガリング：自然音の間のシャープとフラットを演奏する方法。
- アーティキュレーション: タンギング、スラー、スタッカート、アクセント。
- 息とフレージング: 長い旋律が途切れずに流れるように、どこで息を吸うか。
- リコーダーでダイナミクスをコントロールするのが難しい理由と、ただ強く吹く代わりに上手な奏者が行うこと。
- エドヴァルド・グリーグ作曲 『山の王の洞窟で』: コントロールを失わずに長いアッチェレランドとクレッシェンドを構築する方法。
- テンポの計算: 1分あたりの拍数を秒に変換する。
- アンサンブル: 二重奏と輪唱。
そして最後に大きなポイント: リコーダーはおもちゃではない。それは木管楽器のすべてへの最速の入り口である。
ウォームアップ
始める前に
小学校でリコーダーを吹いたことがあるかもしれません。まだ一度も触れたことがないかもしれません。どちらにしても、近くで実際に聞いたことのある、またはテレビ・映画・歌などで聞いたことのある管楽器を思い浮かべてみてください。
低音Cから高音Fまで
ダイアトニック・ラダー
ソプラノリコーダーでは、基本的な演奏可能音域は1オクターブ半を少し超える程度です。上昇していく自然な音は以下の通りです：
低音 C、D、E、F、G、A、B、次に 高音 C、D、E、F。
以下が指の運指パターンです：
- 低音域（C、D、E、F） では最も多くの穴を塞ぎます。低音 C では両手を使い、すべての穴に加えて裏側の親指穴も完全に塞ぎます。管を多く塞ぐほど音は低くなります。
- 中音域（G、A、B） では指を1本ずつ上げ、管を徐々に開いていくことで音を上げていきます。
- ハイノート（ハイD、E、F） では 親指ベント を使います。左手の親指穴を完全に塞がず、軽くピンチして小さな三日月形の隙間を残します。このわずかな漏れにより空気柱が分裂し、オーバーブローして上オクターブに跳ね上がります。きれいなハイノートを出すコツは息の強さではなく、この親指の開き具合です。
これを2階建ての建物に例えましょう。1階：ローC〜C。親指をピンチすると2階へ：ハイD、E、FはローD、E、Fとほぼ同じ運指を使い、親指ベントだけが開いている状態です。
なぜ親指をピンチするのか？
音と音の間のシャープとフラット
隙間を埋める
基本の運指では、全音階（白鍵の音）しか出せません。しかし音楽には F#、Bb、C# などの間の音も必要です。それらを出すために クロスフィンガリング を使います。
クロスフィンガリングとは、開いている穴より下にある穴を閉じることを指します。通常、指を上げて音を高くするとき、その下の穴はすべて開いたままです。クロスフィンガリングでは、その下の指のどれかをもう一度下ろします。
なぜそれが効くのか？ 幾何学的に考えてみましょう。リコーダーは管楽器で、最初に開いた穴が実質的な管の終端になります。最初の開いた穴より下流（下）の穴を閉じても管は完全に再び開くわけではありませんが、空気の通り道が少し長くなり、迂回するようになります。実効的な管が長くなると、音程はわずかに低くなります。つまり、下流の指で半音だけ音を下げる効果が得られます。
具体例：ソプラノリコーダーのFナチュラルは、親指＋左手の最初の3つの穴＋右手の1つの穴です。F#は同じ要領ですが、1つ穴を飛ばして、その下の右手の穴をもう一度閉じます。開いた穴によって音が上がり、下の閉じた穴がそれを少しだけ引き戻すことで、GではなくF#に落ち着きます。クロスフィンガリングは指が一直線に並ばなくなるため最初は違和感がありますが、どんな調でも演奏できるようにするためのものです。
クロスフィンガリングで得られるもの
タンギング、スラー、スタッカート、アクセント
各音の形作り
リコーダーでは、音を「吹く」ことで始めません。音は舌で始めます。これは音節を始めるのと同じ方法です。これをタンギングまたはアーティキュレーションと呼び、音楽的に聞こえるための半分を担っています。
- シングルタンギング: 各音の開始時に柔らかい 「ドゥ」 または 「トゥ」 を発音します。「ドゥ」はより穏やかで丸みがあり、「トゥ」はより明瞭でシャープです。息は流れ続け、舌がそれを遮ることで各音の始まりを区切ります。
- レガート / スラー: 最初の音だけをタンギングし、残りの音は再タンギングせずに流します: 「ドゥーゥーゥー」。楽譜では、音符群の上に描かれた曲線（スラー）は「これらの音を1回の息で演奏し、最初の音だけをタンギングする」ことを意味します。スラーのかかったパッセージは滑らかで繋がった響きになります。
- スタッカート: 短く切り離された音。素早い 「ディット」 または 「トゥット」 を発音します。舌が音を始め、すぐに息を止めます。楽譜では、音符の頭の上下に付く小さな点がスタッカートを表します。スタッカートの音は軽やかで弾むような響きになります。
- アクセント: 音の開始時に強調を加えて演奏します。より強い 「トゥー」 で表現します。楽譜では、音符の上に付く > の記号がアクセントを表します。アクセントは音を際立たせます。
同じ平坦な「ドゥ ドゥ ドゥ」という音だけで演奏されたメロディーは単調に聞こえます。一方、一部の音をスラーにし、一部をスタッカートにし、数音にアクセントを付けた同じメロディーは、急に表情と個性が生まれます。アーティキュレーションは音楽の句読点のようなものです。
スラーとスタッカート
息継ぎの場所
音楽を途切れさせずに息継ぎをする
管楽器奏者は、文章の途中で息を大きく吸い込むことができないのと同じように、音楽の途中で息を吸うことはできません。だからこそ、計画的に息継ぎをする必要があります。
音楽は フレーズ によって構成されています。フレーズとは、通常2小節または4小節程度の短い音楽的な文で、それ自体で完結した感じがするものです。旋律は、段落が文の連なりであるように、フレーズの連なりです。
ルール：フレーズの終わり、つまり音楽に自然なコンマやピリオドがある場所で息を吸いましょう。そこで息を吸うのは目立たず、意図的で自然な表現になります。一方、フレーズの途中で息を吸うと、旋律が途切れてしまい、ミスのように聞こえてしまいます。
実践的な方法：
- 楽譜を演奏する前に通して見てみましょう。フレーズの終わり（長い音符がある場所や、メロディーが落ち着く場所）を見つけましょう。
- 息継ぎをする予定の場所に、小さなチェックマーク（コンマや「ブレス記号」）を楽譜に書き込みましょう。
- 1回の息で足りないほど長いフレーズの場合は、最も邪魔にならない場所を探しましょう。通常は長い音符の後や跳躍の直前が適しており、速いパッセージの途中では避けましょう。
- 素早く、低く、静かに息を吸いましょう。十分な空気を取り込みますが、大きな息音は立てないようにします。
良いフレージングは「正しい音を演奏する」ことと「音楽を表現する」ことを分けるものです。音符は言葉であり、フレージングは文章です。
息継ぎの計画
なぜただ強く吹くだけではダメなのか
リコーダーの隠された秘密
ピアノでは強く押すほど音が大きくなります。ギターでは強く弾きます。リコーダーでは強く吹くと音がシャープ（音程が高く）なります。弱く吹くとフラット（音程が低く）なります。つまり「フォルテにするには強く吹く」という方法は通用しません。音程が狂ってしまうからです。
なぜでしょうか？リコーダーの音程は、ウィンドウェイを通る空気の速度に部分的に依存しています。息の圧力が増すと空気の速度が上がり、音程が高くなります。楽器は、特定の空気速度で正しい音程になるように作られています。それを超えるとシャープになります。
では、リコーダー奏者は実際にダイナミクスを表現するために何をしているのでしょうか？
- 空気の速度を慎重にコントロールする。 息の量を調整することで、少しだけ大きくしたり小さくしたりできますが、音程がずれる前の狭い範囲内でのみ可能です。この範囲は耳で覚えていきます。
- 息の柱の形を調整する。 喉を締め、舌の位置を速くして速く集中した息の流れを作るか、喉を緩めて幅広い温かい息の流れを作るかで、音の質や聴こえる音量が、単なる圧力の変化よりも大きく変わります。
- 代替運指を使う。 音によっては、音量が少し異なるか、息を多めに吹いても音程を保てる2つ目の運指があります。奏者はこれを大きな音や小さな音のパッセージ用に控えています。
- アーティキュレーションとタイミングでフレーズを形作る、音量だけではない。アクセントを付けた音、わずかに伸ばした音、または明瞭にタンギングされた音は、同じダイナミクスでもより強く聞こえる。
優れたリコーダー奏者の演奏を聴くと、息遣いや膨らみのある旋律が聞こえてくる。しかしそれは、微妙な息のコントロール、アーティキュレーション、フレージングによって実現されており、力任せの息の強さによるものではない。リコーダーは繊細さを報い、力任せを罰する。
ダイナミクスの形成
グリーグの忍び寄る主題
1つの小さな旋律が、熱狂へと繰り返される
『山の王の広間にて』 は、エドヴァルド・グリーグ が 1875 年に戯曲『ペール・ギュント』のために作曲した短い作品です。聞いたことがあるでしょう。トロルたちがこっそり近づいてきて、追いかけてくるような音楽です。
この作品全体は、たった一つの小さなモチーフからできています。それは数音を上へ這うように上がり、そして戻ってくる短い音型です。これを少し高い音程で何度も繰り返します。リコーダー向きのD minorやE minorのような調では、このモチーフは中間域の快適な音域に収まり、高音の難技は必要ありません。
ここにこの作品の妙味があります。モチーフ自体はほとんど変わりません。変わるのはエネルギーです：
- 最初はとてもゆっくり、とても小さく（pianissimo、ppと記譜）：忍び足のような、ゆっくりとしたテンポで始まります。
- 徐々に速くなり（長いaccelerando）、大きくなる（長いcrescendo）。
- 最後には、ほとんど制御不能な、狂おしいfortissimo（ff）のギャロップになります。
つまり、曲自体は簡単ですが、コントロールが難しいのです。課題は、全体を通じて滑らかで安定した速度の加速と音量の増大を、ぎくしゃくせずに保つことです。
[BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/the_theme]
練習方法
[BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/the_theme]1. 指にモチーフを染み込ませる。 ゆっくりと一定のテンポで、指が無意識に動くまで繰り返し演奏する。各音をクリーンにタンギングする。 [BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/the_theme]
2. テンポを少しずつ上げる。 メトロノームを使う。一定の速度で数回演奏したら、メトロノームを少し上げてまた演奏し、それを繰り返す。急に上げず、滑らかな加速になるようにする。 [BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/the_theme]
3. ダイナミクスは最後に加える。 テンポが安定したら、モチーフを弱く始め、速くなるにつれて徐々に大きくする。下では弱くゆっくり、上では強く速く。急な変化ではなく、なだらかなクレッシェンドにする。 [BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/the_theme]
4. 全体をまとめる。 つま先立ちからスタンピードまで、1つの連続した盛り上がりとして演奏する。 [BLOCK_TYPE TITLE mountain_king/mountain_king_question]
テンポを2倍にする [BLOCK_TYPE CONTENT mountain_king/mountain_king_question]
盛り上がりに関する質問
「山の王のホールにて」が約 quarter note = 80 BPM で始まり、約 quarter note = 160 BPM で終わる場合を考えましょう。 [BLOCK_TYPE QUESTION mountain_king/mountain_king_question]
BPMを秒に変換する
メトロノームの裏にある数学
テンポは1分あたりの拍数（BPM）で表されます。1拍の長さを求めるには、60秒をBPMで割ります：
1拍（秒）= 60 / BPM
4分音符 = 120 BPM の場合の計算例（拍が4分音符の場合）：
- 1拍（1つの4分音符）= 60 / 120 = 0.5秒
- 半音符 = 2拍 = 2 × 0.5 = 1秒
- 全音符 = 4拍 = 4 × 0.5 = 2秒
- 4/4拍子の1小節 = 4拍 = 4 × 0.5 = 2秒
音楽の長さを求めるには：
duration = (小節数) × (1小節あたりの拍数) × (60 / BPM)
Worked example: how long is a 16-bar section in 4/4 at 100 BPM?
- one beat = 60 / 100 = 0.6 seconds
- 16 bars x 4 beats/bar = 64 beats
- 64 beats x 0.6 s/beat = 38.4 seconds
Back to the Mountain King: if it starts at quarter note = 80 BPM and ends at quarter note = 160 BPM, the tempo has doubled, so any fixed passage takes half as long at the end. A repetition that took 6 seconds at the start takes 3 seconds at the end. That is the accelerando doing its job: same notes, half the time.
Compute a Section Length
Your Turn
Use the formula: duration = (bars) x (beats per bar) x (60 / BPM).
Duets and Rounds
2本のリコーダーは1本より良い
自分のパートをしっかり演奏できるようになったら、次のステップは「他の人が別のラインを演奏している中で自分のラインを演奏する」ことです。これがアンサンブル演奏であり、新たな次元です。
- Duet（二重奏）：2人の奏者が2つの異なるパートを合わせて演奏します。通常、一方がメロディ（口ずさむことができる主旋律）を担当し、もう一方がハーモニー・ライン（それを支える低めの音や、それに絡む対旋律）を演奏します。どちらのパートも単独では完全な意味を成さず、2つが合わさって初めて豊かな音楽になります。例えばシンプルなバッハのメヌエットでは、上にメロディ・ラインがあり、その下に静かなバス・ラインが動いています。
- Round（カノン）：全員が同じ旋律を演奏しますが、各奏者が前の奏者より1フレーズ遅れて開始します。旋律が重なっても美しく響くように書かれているため、1つのメロディだけで豊かな多声の音楽のように聞こえます。「A Sailor Went to Sea」は2パートのラウンドとして成立します。2番目の奏者が1フレーズ遅れて入り、音がきれいに重なります。「Row, Row, Row Your Boat」や「Frère Jacques」も同様です。
アンサンブル演奏で新たに必要になるスキルは休符を数えることです。自分のパートが休みのときも、気を抜かずに頭の中で拍や小節を数え続け、正確なタイミングで再び入らなければなりません。1拍でも早くまたは遅く入ってしまうと、全体が崩れてしまいます。他の奏者を見て、目印となる音を聞きながら、数え、数え、数え続けましょう。
[BLOCK_TYPE ensemble/duets_and_rounds]
他の人と演奏すると、他のスキルもすべて引き締まります。テンポを合わせ、チューニングを合わせ、フレージングを相手の呼吸に合わせなければなりません。これこそ最高の耳トレです。
タイミングよく入る
The Recorder Is the Door
なぜこれまで学んだのか
このレッスンで学んだことを振り返ってみよう：
- 調号やその中のシャープ・フラットを含む楽譜の読み方。
- 息のコントロール：速さ、集中、音程を保つための細い息の帯。
- 両手の指の連携、特に厄介なクロスフィンガリングを含む。
- アーティキュレーション: タンギング、スラー、スタッカート、アクセント。
- 息とフレージング: 息継ぎの位置を計画し、旋律の流れを保つ。
- ダイナミクス: ピッチを崩さずに音量をコントロールする。
- アンサンブルでの数え方: 休符の後に正確な拍で入る。
ここがポイントです：それこそがフルート、クラリネット、オーボエ、サクソフォンの奏者が行っていることです。同じ楽譜、同じ調号、同じ息のコントロール、同じ両手の指の動き、同じアーティキュレーション、同じ息継ぎとフレージング、同じアンサンブルでの数え方。
リコーダーにはリードがなく、シンプルな運指システムを採用しているため、これらすべてを最短で習得できます。リコーダーを上手に演奏できる生徒は、吹奏楽の授業で「本物の」木管楽器を数年ではなく、数週間で扱えるようになります。なぜなら、楽譜の読み方、リズム、息の扱い、指の動きがすでに身についているからです。本当に新しい要素はマウスピースだけです。つまり、フルートの頭部管やリード楽器でアンブシュア（唇の形と息の使い方）を習得することです。これは確かに練習が必要な本物のスキルですが、すでに持っているスキルの上に積み重ねる一つの新しい技術であり、ゼロから始めることではありません。
[BLOCK_TYPE woodwind/the_big_idea]
リコーダーはフルート、クラリネット、オーボエ、サックスに取って代わるものではありません。それらへの扉を開くものです。 サックスクラス、フルート、クラリネット、オーボエ：これらはすべてリコーダーの下流にあります。また、並行する入り口も用意されています：打楽器／木琴／ベル の道、ピアノ クラス、ギター クラス。同じ建物へ続く異なるドアです。リコーダーは木管楽器の翼全体へと続くドアを開くものです。
移行できるもの
よくできました
たくさん学びました
このレッスンでできるようになったこと：
- ソプラノリコーダーの全音域（低音のCから高音のFまで）を挙げ、親指ベントを使って高オクターブにオーバーブローする方法を説明できる。
- クロスフィンガリングを説明できる：下の穴を閉じてシャープやフラットを出せるので、どんな調でも演奏できる。
- アーティキュレーション（シングルタンギング「doo」「too」、スラー、スタッカート「dit」、アクセント）を説明し、楽譜のスラー線、スタッカート点、アクセント記号を読める。
- 呼吸を計画する：フレーズの終わりで息を替え、印を付けておく。決してフレーズの途中で息を切らない。
- リコーダーのダイナミクスは強く吹いても得られない（音程が上がってしまう）理由と、その代わりに奏者が行う方法を説明する：息の速度の調整、空気柱の集中、代替運指、アーティキュレーション、タイミングの工夫。
- 『山の魔王の宮殿にて』の仕組みを説明する：小さなモチーフ一つ、静かにつま先立ちするところから激しいスタンピードまでの長いaccelerandoとcrescendo、そして練習方法（指を固定し、テンポを少しずつ上げ、最後にダイナミクスを加える）。
- テンポの計算をする：1拍＝60/BPM秒、1つのパッセージの長さは小節数×拍子×（60/BPM）秒で求められる。
- アンサンブル演奏について説明する：二重奏でのメロディとハーモニーのライン、ラウンド（輪唱）のようなずらした同じ旋律の構造、休符を数えて正確な拍で入ること。
- 最大のポイント：リコーダーは木管楽器全体への最速の入り口である。フルート、クラリネット、オーボエ、サックスはすべてその延長線上にあり、それらの楽器で本当に新しい要素はただ一つ、embouchure（アンブシュア）だけである。